Conseils pour un compositeur débutant
I. exposition
L'article étant sous forme de sonate, ne recherchez pas d'intention secrète dans les titres de section. L'idée d'écrire un article n'était pas accidentelle - les musiciens débutants se tournent souvent vers moi pour obtenir des conseils. En règle générale, les mêmes questions sont posées: comment aimez-vous ma musique, puis-je travailler en tant que compositeur dans l'industrie du jeu et de quoi ai-je besoin pour cela?
À mon tour, je tiens à dire qu’il ya trois ans, une personne m’a vraiment aidée en prodiguant de bons conseils. Par conséquent, j’ai maintenant une certaine responsabilité et je veux partager mes pensées avec les débutants. Et afin de ne pas répondre à chacun individuellement, dépensant un temps de travail précieux, j'écris cet article. Toutes mes observations ne sont fondées que sur l'expérience personnelle. Si quelque chose ne va pas et que je me trompe quelque part, n'hésitez pas, parlez-en et complétez.
Tout d'abord, je vais vous parler un peu de moi et de la façon dont je suis entré dans le jeu dev. Je suis un musicien professionnel. Depuis 2006, je travaille dans l’industrie du jeu en tant que compositeur. Chef idéologique et interprète (à une personne) du studio Martamusic. Après avoir obtenu mon diplôme, j'ai travaillé comme accompagnateur dans une école de musique. Puis un jour, l’équipe de développeurs d’Omsk (Studio DVA) s’est tournée vers mon ami programmeur, qui recherchait une personne prête à écrire une bande-son pour son premier projet de jeu, ChePay. En conséquence, un ami a suggéré de l'essayer.
Alors tout a commencé. J'ai accepté cette offre, car j'ai toujours aimé improviser au piano. Par la suite, ma musique sonnera dans le jeu et les développeurs promettent la gloire! Il y avait cependant un problème: à cette époque, je ne représentais pas toute la complexité du travail avec les programmes de musique sur ordinateur nécessaires à la création du produit final. Mais j’ai décidé cela avec du travail comme dans un combat: l’essentiel est de s’impliquer, et ensuite on verra. Le projet était à long terme et j'ai commencé à maîtriser lentement cette science. Après un certain temps, la musique a été écrite dans le séquenceur intégré de mon synthétiseur. La renommée qui m’était promise après la publication du projet ne s’est certainement pas produite, mais les critiques concernant la musique dans plusieurs médias spécialisés, telles que «Igromania», AG.ru, ont été positives, ce qui m’a incité à prendre de nouvelles mesures.Donc, vous êtes un compositeur débutant (ou vous considérez comme tel), vous écrivez de la musique, vous et vos amis aimez sans doute beaucoup cela, et vous décidez que le monde doit l'entendre. Et encore mieux si cela sonne dans le jeu!
Alors vous partez à la recherche d'un projet. Je tiens à souligner que je ne dois pas immédiatement menacer les grands projets. De toute façon, obtenir une commande pour un produit commercial important est presque impossible pour un débutant. Alors tentez votre chance avec les développeurs novices.
Dans le secteur des modèles, le temps presse, par exemple, lorsque les experts débutants s'unissent pour organiser le tournage et qu'au lieu de payer, chaque participant reçoit un calcul avec des photos. Cela a son sens commun. J'ai moi-même travaillé avec plusieurs jeunes équipes dont les pistes ont été écrites pour un montant symbolique ou pas du tout. J'ai acquis de l'expérience et le projet non commercial a été rendu heureux par ma musique. Il y a eu des cas où après un certain temps, la même équipe m'a proposé une offre commerciale plus rentable.
Si vous souhaitez vous assurer que vous avez une bonne réputation, un travail de haute qualité, que vous n'aurez alors pas honte de montrer, alors ne regrettez pas cette période, ni la force ni le temps. Cependant, dans une telle situation, je ne vous conseillerais pas de renoncer à votre ancienne entreprise qui vous rapporte un revenu et de plonger dans le monde de la musique. À mon avis, tout devrait se dérouler progressivement et, avec le temps, des facteurs plus importants élimineront les facteurs secondaires qui empêchent le plein dévouement envers le travail bien-aimé.
Mais revenons à la recherche d'emploi. Supposons que vous trouviez une annonce sur la recherche d'un musicien et que vous décidiez d'envoyer votre CV. Quelques conseils sur la façon de procéder: 1. N'envoyez pas une lettre universelle à plusieurs entreprises à la fois lorsque vous envoyez des lettres contenant une proposition de coopération. Parlez spécifiquement à tout le monde.
2. Ecrivez honnêtement sur vous-même. La confiance est difficile à gagner, mais très facile à perdre. À mon avis, il n'est pas nécessaire de décrire tous les programmes dont vous avez déjà entendu parler. Limitez-vous aux choses principales qui concernent directement votre activité, à savoir la musique.
3. Si le développeur du jeu vous demande de spécifier un sujet spécifique de la lettre, n’ignorez pas son souhait. Il peut arriver que votre destinataire dispose d'un filtre sur le courrier entrant, qui supprime automatiquement les lettres ne correspondant pas aux paramètres spécifiés.
4. N'envoyez pas de lettres à vos pièces jointes. Il est préférable de laisser dans le corps de la lettre des liens menant à des exemples de votre travail - si cela vous intéresse, vous y jetterez un coup d'oeil. Si vous n'avez pas la possibilité de créer votre propre page Web, vous pouvez utiliser des ressources spéciales - MySpace, RealMusic, etc.
5. Montrez votre intérêt pour le projet.
6. Choisissez des exemples de votre travail délibérément. Par exemple, vous savez qu’à l’heure actuelle la société travaille sur un jeu de tir, et quelle que soit la qualité de votre composition lyrique lente, dans ce cas, elle risque de ne pas être appréciée. S'il n'y a pas de piste appropriée dans votre arsenal, je vous conseillerais d'alterner les œuvres de votre page pour le contraste. Ainsi, le client, ayant écouté les deux ou trois premières compositions du même état d'esprit, avec les mêmes échantillons, n'a pas conclu hâtivement que toute votre musique était monotone. N'oubliez pas que votre page doit vous représenter de la manière la plus avantageuse.
Si toutes vos tentatives pour trouver un emploi ne sont pas couronnées de succès - ne vous inquiétez pas, essayez de comprendre ce qui ne va pas et ce qui ne va pas?
Ii. Développement
(ou débriefing)
Il peut y avoir plusieurs raisons:
1. Votre musique ne répond pas aux besoins de l'industrie.
Vous aimez écrire, par exemple, des œuvres sensuelles, des chansons pour l'âme ou une musique de danse entraînante. Mais, après avoir étudié le marché, vous devrez comprendre que la musique ici est plutôt de nature appliquée, c’est-à-dire qu’elle vise à renforcer l’image, à souligner ce qui se passe à l’écran, à provoquer certains sentiments chez le joueur. Pensez-y et répondez-vous honnêtement - pouvez-vous créer dans ce cas?
2. Votre musique en comparaison avec les hits de la musique de jeu semble fanée, peu professionnelle.
Avec le développement de la technologie informatique et d’Internet pour écrire des pistes, il semble que tout le monde puisse le faire - pas besoin de connaître les notes, vous ne pouvez pas jouer, même la présence de l’ouïe est facultative. Mais quel est le résultat? Les débutants préfèrent voir la racine de leurs problèmes pas tant en eux-mêmes, ni dans leur ignorance musicale que dans des facteurs externes - ni l'équipement, ni les échantillons, ni le séquenceur, etc. C'est ainsi que commence la quête sans fin des nouvelles technologies, du son "de marque". Au final, on ne passe pas de temps à se développer en tant que musicien, mais à des tâches qui sont également très importantes, mais non primordiales. Essayez de ne pas vous attarder dessus.
Qu'est-ce qui est nécessaire au développement de soi et à la réalisation de l'objectif? Je citerai un fragment de la lettre de Tchaïkovski à ma sœur:
«... Je n'ai peur que pour le manque de sens, peut-être que la paresse va faire des ravages, et je ne peux pas le supporter; si, au contraire, je vous promets de faire quelque chose. Vous savez que j'ai des forces et des capacités, mais j'en ai marre de la maladie appelée oblomovshchina et si je ne triomphe pas de cette maladie, alors, bien sûr, je peux facilement mourir. Heureusement, le temps n’est pas tout à fait parti ... "
Heureusement, Tchaïkovski a retrouvé sa force et est entré au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Après plusieurs années de travail acharné, il est devenu un musicien instruit, puis un grand compositeur.
Donc, voici ce dont vous avez besoin.
1. Un fort désir d'apprendre.
2. Attitude critique envers leur créativité. Dès que vous décidez que vous avez tout "ok" - c'est la fin de votre croissance.
3. Vous devez écouter, écouter et encore une fois écouter beaucoup de musique bonne et différente. Développez vos horizons musicaux.
4. Apprendre l'harmonie, l'orchestration, l'instrumentologie. Et il ne doit pas nécessairement lire de gros manuels. Abordez le processus de manière créative, trouvez votre chemin, pour que vous soyez intéressé. Pour ceux qui ne possèdent pas les connaissances de base en harmonie, je recommanderais une bonne ressource sur Internet - le collège de musique "7 notes". Dans la section Harmony, le matériel est présenté par l'auteur sous une forme très accessible, avec humour et allégories, et contient surtout des exemples musicaux en MIDI.
Si vous écrivez de la musique orchestrale, lisez des études instrumentales. Il est impossible d’écrire décemment une partie pour violon ou cuivres sans connaître la nature du son de ces instruments, leurs frappes, leurs capacités timbrales. En raison de leur ignorance, de telles erreurs courantes se produisent comme un lot d’essence à couper le souffle pendant 20 cycles, quand un véritable artiste aurait longtemps étouffé à cause du manque d’air dans les poumons ou de l’utilisation d’instruments d’orchestre symphonique non inscrits dans ses registres, etc.
Dans mon école, cette matière était dirigée par un chef de théâtre musical. Il pouvait présenter sèchement le matériel, mais avait choisi une méthode plus intéressante et plus efficace, à savoir: il invitait un de ses étudiants d'orchestre à une conférence à chaque fois. Ils ont parlé de la technique de la performance, ont présenté leur jeu et ont même essayé de jouer n'importe qui. En passant, j'ai alors compris pourquoi les filles jouant de la contrebasse, du cor français, du trombone et du tuba étaient rares. Essayez d’agir de la même manière, trouvez des amis, des connaissances qui ne craignent pas une classe de maître, prenez quelques leçons de leur part. Une illustration du manuel peut servir de sélection de vidéos sur YouTube.
5. Analysez la musique. J'aimerais mentionner une autre ressource que j'aime beaucoup. Ceci est le forum rmm, et en particulier la section «Musique orchestrale». Dans cette rubrique, l'auteur présente une sélection d'œuvres classiques, que vous devez absolument connaître (les partitions sont classées selon le principe du «simple au complexe»). Il fournit également des recommandations sur la façon d'étudier.
Pour les personnes qui ne possèdent pas de notation musicale, je vous conseillerais de télécharger les morceaux MIDI sur le séquenceur et de les étudier simultanément avec l’enregistrement audio. Voici quelques sites sur lesquels vous pouvez télécharger les œuvres des classiques (et pas seulement): www.kunstderfuge.com, www.midi-karaoke.info, www.midi.ru. Également à des fins éducatives, vous pouvez utiliser le programme Band-in-a-Box, qui contient des "matériaux de construction" pour différents genres de musique. Il vous permet de voir à partir de quels blocs de construction le «tissu» musical est construit dans un cas particulier.
6. N'ayez pas peur d'imiter. Je ne parle pas ici de plagiat direct, mais simplement d’un transfert indirect de réceptions. Si nous analysons la musique des classiques, si talentueux que puisse paraître le talent de tel ou tel génie, ils ont tous copié leurs prédécesseurs au début de leur travail. Et ce n'est que lorsqu'un fondement décent a été posé que sa vision, son écriture et son style se sont formés.
Je voudrais m'attarder davantage sur un point tel que la reprise d'expérience de produits de jeux à succès, et souligner également l'importance des références.
Lorsque je commence à travailler avec un client, je lui demande tout d’abord d'exprimer ses souhaits concernant le style, de donner des exemples de compositions musicales qui, à son avis, conviendraient bien au projet. Habituellement, je reçois des réponses très vagues ou quelque chose du genre «nous faisons totalement confiance à vos goûts». Ensuite, je commence moi-même à poser des questions suggestives, à apporter de la musique de jeux, de films, de classiques, etc. Pendant la discussion, en règle générale, il s’agit de la direction à prendre. Si vous ne proposez que des captures d’écran comme source d’inspiration, vous pouvez interroger le développeur sur les prototypes de son produit. Si le futur jeu ne diffère pas par son originalité particulière, après avoir joué à des prototypes, vous saurez probablement ce que l’on attend de vous. Il vous suffira d'introduire votre «vision créative» pour que le futur jeu en matière de musique soit encore meilleur et plus intéressant.
Si vous ne le faites pas, il se peut que votre travail ultérieur ressemble à «errer dans le noir». Vos esquisses seront rejetées "injustement", et vous ne pourrez même pas vraiment expliquer pourquoi. Et étant donné que le temps nécessaire à la création d'une bande son est très limité, l'incompréhension et la tension peuvent en fin de compte affecter de manière indésirable la musique elle-même.
Cela se produit et inversement, lorsque le développeur lui-même donne une référence et demande à faire de même. Par exemple, une équipe m'a demandé d'écrire une musique similaire au thème de «Harry Potter», mais, bien sûr, pour que ce ne soit pas du plagiat, mais seulement créer la bonne ambiance. Après avoir écouté et analysé la mélodie, j’ai identifié un certain nombre de caractéristiques distinctives dans l’harmonie et l’instrumentation, et en utilisant les mêmes techniques que moi. En conséquence, le client était satisfait. Et cela ne m'a pas pris beaucoup de temps pour des recherches créatives. Cette approche facilite grandement la tâche du musicien, car les deux parties savent exactement ce qu'elles veulent.
7. Si vous ne possédez aucun instrument de musique, apprenez. Pour une raison quelconque, beaucoup de gens pensent que la maîtrise d'un instrument n'est possible que dans la petite enfance. Bien entendu, il s’agit là d’une affirmation vraie en ce qui concerne la formation d’un artiste interprète professionnel. Mais dans l'histoire de la composition, il existe des exemples qui prouvent qu'il n'est jamais trop tard pour le compositeur.
Lisez la biographie d'Aram Khachaturian. Ils ont raconté qu'à 19 ans, après s'être installé à Moscou, il avait vu un violoncelle se tenant dans un coin et qu'il voulait apprendre à jouer «de ce grand violon». Malgré le manque de formation élémentaire, mais avec une bonne audition et un grand désir, Khachaturian fut accepté dans le Gnesinka.
J'entends souvent: "Pourquoi ai-je besoin de ça, je vais parfaitement dessiner avec un crayon ou coller la partie avec un doigt dans le séquenceur!". Peut-être que oui, mais en étant capable de jouer, vous écrivez une phrase musicale beaucoup plus rapidement, alors que ce sera beaucoup plus naturel. Je ne parle pas de l'art de l'improvisation. Bach, Mozart, Liszt, Chopin, Rachmaninov et d’autres, tous d’excellents interprètes. Je crains que, s'ils ne possèdent pas la technique du jeu, leur travail serait beaucoup plus pauvre.
8. Apprenez les bases de l'ingénierie du son. Il y a plus qu'assez de matériel de formation, d'articles sur le mixage et le mastering sur Internet. Communiquez avec les gens, "peep" leurs recettes, expérimentez le son. Après tout, en fin de compte, tout le processus de création musicale tombe sur vos épaules. Vous devez combiner le poste de compositeur, interprète et ingénieur du son. Et le travail d'ingénierie sonore n'occupera pas la dernière place. Enfin, rappelez-vous que la théorie seule, sans fondement pratique, ne vous donnera aucun résultat.
Iii. Reprise
(ou retournez à votre point de départ) Alors, puisque vous n'êtes limité à aucune période, essayez de rendre vos morceaux de démonstration aussi proches que possible de l'idéal et destinés à votre public. Premièrement, si les morceaux se révèlent intéressants, cela attirera l'attention des premiers clients sur votre créativité. Deuxièmement, toutes les démos que j'ai écrites ont tôt ou tard trouvé leurs projets.
Essayez de temps en temps de reconstituer la page avec de nouvelles œuvres, même s'il vous semble que le nombre de pistes est suffisant, n'hésitez pas à en augmenter le nombre. Le client cherche à chaque fois quelque chose de nouveau. Et après un certain temps, si vous revenez à votre page et que vous trouvez quand même deux ou trois versions, elle se fermera immédiatement. Bien entendu, le cadre d'un article ne permet pas de révéler tous les problèmes, mais je pense que tout ce qui est écrit ci-dessus vous donnera une impulsion ou au moins vous fera réfléchir.
Iv. Coda
Ceux qui ont essayé la musique savent à quel point ce travail est difficile. Oui, parfois la musique elle-même parvient au compositeur, mais en règle générale, l'idée est polie par des heures de travail acharné. Ainsi, l'expression «le génie, c'est 99% du travail et seulement 1% du talent» est très pertinente dans le secteur de la musique. Enfin, la chose la plus importante: vous devez croire en vous-même et si vous aimez vraiment votre travail, vous réussirez sûrement!