30 conseils pour les musiciens novices.
1) Apprendre les langues étrangères.
La connaissance d'au moins une langue européenne (anglais, allemand, français) réduira parfois le temps nécessaire au développement de tout logiciel et donnera une indépendance vis-à-vis des traducteurs bénévoles, qui acceptent parfois de céder aux manuels de traduction et autres documents utiles.
2) Ne vous précipitez pas.
Pour commencer, apprenez à faire lentement mais bien, puis, en pratiquant les techniques et en entraînant l’oreille, vous pourrez apprendre à bien faire et rapidement. Par exemple, une synthèse soustractive banale - consacrez quelques jours à la circulation de l'outil le plus courant. Essayez de maîtriser chaque contrôle pour comprendre pourquoi il est nécessaire; écrivez une composition en utilisant uniquement cet appareil. Cela peut être répété avec n'importe quel appareil.
3) Oubliez le mot preset / patch.
Essayez d’abandonner les réglages prêts à l’emploi au stade de la formation. Essayez d'incarner n'importe quelle idée sur la conception sonore "à partir de zéro". Ensuite, certaines «chaînes» de périphériques se formeront dans votre tête, des préréglages dans votre mémoire. Enregistrez vos propres préréglages réussis - il s’agit de vos réalisations, de vos victoires personnelles et, plus important encore, de précieuses leçons.
4) La musique est le plus important.
Rappelez-vous que l’essentiel en musique est l’IDÉE MUSICALE!
Ni le fer à repasser, ni les logiciels, ni le mixage, ni le mastering ne feront un succès hors de propos pour un mannequin dépourvu d’idée. L’idée est une mélodie, c’est un échantillon vocal, c’est un crochet (une partie essentielle, pas nécessairement une mélodie centrale). Souvent, une idée dans sa forme pure peut faire échec à la production et à la promotion les plus cool, souvenez-vous-en.
5) Limitez-vous.
Un bon moyen d’obtenir un bon résultat est de se limiter aux moyens. Par exemple, vous pouvez désactiver toutes les bibliothèques d'échantillons ou écrire de la musique uniquement à l'aide des ressources intégrées du programme hôte, etc.
Lorsque vous utilisez TOO de nombreux plug-ins / échantillons (essayez de calculer combien vous avez "pompé" de torrents et autres rapidshire, je pense que BMW peut suffire), vous cessez de prendre conscience de ce que vous avez déjà.
Mieux vaut maîtriser un instrument à la perfection que superficiellement (comparez-vous à un guitariste ou à un saxophoniste - ils jouent du même instrument depuis des décennies et beaucoup ne sont toujours pas satisfaits de leur technique)
6) Chante et joue plus.
La musique est toujours meilleure pour une personne si c'est naturel. Si vous ajoutez des voix en direct à la piste house la plus pourrie ou, par exemple, enregistrez une guitare live, cette piste «prendra vie».
N'ayez pas peur d'expérimenter, parfois, le microphone le moins cher et l'imagination peuvent faire plus que les synthétiseurs et les DAW les plus chers. Encore une fois, il est beaucoup plus facile d’inventer une mélodie ou un motif si vous la chantez. Essayez de chanter une mélodie, appliquez melodyne et reconnaissez les notes de cette manière si vous ne pouvez pas la retirer de l'oreille. Ainsi, vous pouvez chanter presque tous les instruments de la composition!
7) Modèles et organisation de l'espace de travail.
Essayez de préparer tout le matériel de travail de manière à pouvoir l'utiliser facilement.
Par exemple, j'ai un dossier avec des échantillons. Certaines d'entre elles sont classées en sections One-Shot, Loops, elles sont à leur tour classées en catégories Drums, Basses, Synths, etc., jusqu'à trier les barils par type et les effets par longueur. Bien sûr, c'est un gros travail, mais ça vaut le coup.
En ce qui concerne les modèles, tout est individuel. Lorsque j'enregistre ma voix, j'ai toujours un modèle avec un routage personnalisé, qui permet au chanteur de s'entendre (avec des effets, s'il le souhaite) et de la musique, et il sera facile pour moi d'équilibrer la balance.
8) L'essentiel est le résultat.
Peu importe que vous utilisiez des échantillons, des boucles, une synthèse ou quelque chose de pire encore. Le principal est le résultat.
La musique est ce que le consommateur final entend, un auditeur ordinaire, et pas quelque chose pour lequel vous pouvez obtenir un smiley contrarié d'un musicien plus expérimenté / expérimenté. Il a aussi une justice, ne croyez pas que tous ceux qui vous critiquent sont sans faille.
Si vous préférez Nexus ou Fruity Loops ou si vous travaillez dans ACID et que vous avez des haut-parleurs domestiques, que vous coupez les pistes des autres ou que vous ne savez pas comment mixer, vous ne pouvez pas imaginer ce que c’est le dithering, ou ... MAIS votre résultat est agréable pour les mortels qui vous entourent - vous êtes bien fait quand même.
La principale différence entre vous et les super méga-stars réside dans le nombre de vos fans qui sont prêts à payer pour votre créativité. Et pour l’augmenter, vous devrez travailler sur le son, les idées et tout le reste!
9) Niche.
N'essayez jamais d'occuper spécifiquement un genre ou une niche stylistique, n'écrivez pas "sous" quelqu'un, ne parodiez pas, ne copiez pas. Cela peut (et devrait) être fait au cours du processus d'apprentissage, mais votre musique doit être unique, ou du moins doit viser l'unicité.
Beaucoup de gens sont surpris de constater une excellente variation dans le style et la manière de leur artiste préféré et d'envoyer l'œuvre résultante au label où ce même artiste est publié, ils se détournent de la porte. C'est précisément parce qu'il y a déjà un tel son sur le label, et le label est à la recherche de nouveaux artistes. Demandez des tendances, réinventez le son, et si c'est vraiment cool, il sera apprécié.
10) Écoutez, lisez, regardez.
Plus votre vision est large, plus vous réussirez dans la créativité. L'inspiration n'est pas la chose la plus importante. Toutes les idées retravaillées par votre esprit et votre créativité peuvent donner une connaissance et une compréhension totalement nouvelles de la musique.
Par exemple, j'étais fasciné par la fascination pour le fantastique et le fantastique, ce qui m'a donné beaucoup de complots et d'idées pour la composition. Par exemple, le texte de la chanson «Miusha - Je suis une fille perdue», qui raconte l'histoire d'une petite fille perdue dans la forêt. Le deuxième vers explique qu'elle n'a pas été perdue, mais a volé dans un vaisseau spatial et s'est perdue dans l'espace. Dans le troisième verset, elle réalise à quel point le monde est terrible et agressif, rappelle que quelqu'un lui a déjà dit cela et décide de détruire ce monde pour qu'il soit perdu à sa place. Eh bien, quelque chose comme ça ... =) Vous ne savez jamais d'où viendra votre nouveau morceau!
11) Tout est toujours plus facile que vous ne le pensez.
Souvent, lorsque vous avez 10 effets d’insert différents sur un seul fût et que vous n’êtes toujours pas satisfait du résultat, le plus simple est d’abandonner ce fût en faveur d’un autre.
Et ne prouvez pas que "ce tonneau est le plus correct", ou "ce tonneau a une dynamique unique" ou quelque chose comme ça. La même chose avec la basse, le plomb et tout autre élément de votre composition.
Par exemple, un problème très fréquent est que le canon a un grand coup de poing (attaque initiale, frappe) et que la queue est mince ou simplement courte. Dans ce cas, il est plus facile de trouver un échantillon complémentaire, pohimichit un peu avec les enveloppes (ranger la queue du "canon d'attaque" et ranger l'attaque de la "queue") et simplement fabriquer un baril à deux couches, ce qui sera facile à diriger.
La même chose avec la basse ou tout autre élément de l'arrangement.
12) Trouver un "bourreau de travail".
Ayez toujours sous la main un instrument que vous connaissez «à cinq» et qui sonne suffisamment neutre et de grande qualité.
13) Laver, laver et laver à nouveau.
Le moyen le plus simple de suivre immédiatement ce conseil est de vous entraîner - prenez 4 pistes (peut-être plus), mettez une loupe dans chacune d’elles.
Vous aurez une boucle "viande", avec un grand nombre de fréquences en conflit, avec un rythme étrange et sans dynamique.
Prenez maintenant une “gomme” (ou tout instrument qui remplit sa fonction dans votre DAW) et essayez avec une petite résolution (par exemple, 1/16) de commencer à effacer des parties, avec la logique selon laquelle, à un moment donné, une seule boucle retentit à la fois.
C'est-à-dire que vous obtenez un arrangement chaotique "d'échecs" de morceaux de boucles.
Ensuite, essayez d’accentuer quelques lobes en renvoyant des «couches» supplémentaires à votre «mégapetl» (il suffit de renvoyer quelques morceaux retirés au goût). Et maintenant, comparez avec la version originale.
Si vous avez tout fait correctement, vous aurez une boucle intéressante et "respirante", qui n'encrassera pas toute la plage dynamique, mais qui, en même temps, "basculera". Barrel, bien sûr, doit être sur une piste séparée et une.
14) les variations.
Même au tout début de la composition, réfléchissez bien aux variations de vos jeux.
Remplissages de batterie, cassures, automatisation et modulation des basses, effets sur le chant, diverses substitutions de sons (en jouant un coup, en panne / pit / trou / suspendre un autre) et même une réception banale de la musique pop, changer de clé, peut servir de développement pour votre des idées.
15) dynamique.
C’est dommage que beaucoup de gens ne comprennent pas ce que c’est.
En fait, tout est simple - haut-parleur simplifié, c’est quand il est fort, puis calme. C'est-à-dire que ce n'est pas TOUT LE TEMPS, et pas quand tout est calme tout le temps.
La même chose s'applique à la sonie des instruments à l'intérieur de la composition - les éléments individuels doivent sembler beaucoup plus silencieux que, par exemple, un canon ou une voix.
Dans mon cas, le plus souvent le ratio de loudness est le suivant: si le tonneau est réglé sur 1, les basses seront d’environ 1/2, hat 1/3, parties de lead et de voix 2/3, boucles 1/2, effets et autres contenus supplémentaires 1/4 .
Ce sont des rapports très approximatifs, et il convient de garder à l’esprit que, au départ, je joue toujours du volume avec un volume de -9 / -6 dB.
Ainsi, la musique est à couper le souffle. Une autre chose est que, dernièrement, j'ai dû appuyer sur le maître jusqu'à le "stupéfier", car ce sont les règles du jeu sur le marché et les labels veulent des phonogrammes Loud ...
16) accro du shopping
Tuez le désir d'acheter du personnel.
Si vous n'êtes pas sûr d'avoir besoin de nouveaux synthétiseurs / matériels / échantillons / sons / oreilles / tête, etc., ne dépensez pas d'argent dessus.
Tout achat au moins doit être pris en compte trois fois: recherchez des informations en ligne sur des forums spécialisés, lisez les avis de professionnels publiés sur des sites indépendants (meilleurs que les sites étrangers), consultez des amis.
Si, après cela, vous voulez toujours l'acheter, allez au magasin, si possible, et regardez-le / sentez-le sur place.
Si cela n’est pas possible, commandez dans le magasin et n'oubliez pas que vous avez le droit de retourner l’achat dans quelques jours (les conditions exactes dépendent du magasin et des lois de l’état où vous avez acheté le produit).
Et pourtant - occasion ne signifie pas que les marchandises sont mauvaises ou volées ou il sera pire de travailler. Dans mon studio vivent souvent de vieux gadgets usés qui me procurent de la joie et me permettent de travailler de manière créative, malgré les rayures sur le boîtier et les logos fanés ...
17) travail de bijoux
Toutes les choses qui sonnent si bien dans «firmachey» sont le plus souvent minutieusement «manuellement». Par exemple, des effets de balayage, des coups divers et de belles sorties des "trous". Pourquoi, demandez-vous, s’il existe des collections d’effets chics de Manuel Shlyis?
J'explique - premièrement, presque toutes les collections d'échantillons sont des fichiers 16 bits avec un taux d'échantillonnage «consommateur». Si vous modifiez le volume, la recompression et le traitement de ces "blancs" peuvent générer des artefacts numériques indésirables. Lorsque, comme lorsque vous travaillez avec des instruments et des effets en "temps réel", votre séquenceur fonctionne en 32 bits avec une virgule flottante, c’est-à-dire plusieurs ordres de grandeur "plus profonds" dans la dynamique et avec un taux d’échantillonnage plus élevé. Vous obtenez initialement la source de qualité maximale, ce qui garantit une qualité et un rendement élevés.
Naturellement, si le son dont vous avez besoin n’est pas d’une qualité aussi critique, personne n’interdit l’utilisation du son de vengeance allemand et il sera même parfois déplacé. Mais il y a un autre facteur - la musicalité et "l'idéologie" de votre travail. Et ici, très probablement, votre propre élément de blessure semblera plus proche du «sujet», plus adéquatement.
Alors, essayez de commencer petit - apprenez à faire des "queues inversées". Prenez un échantillon avec une décente décente (temps de décroissance), mettez-y une réverbération avec une queue longue et dense (il y a beaucoup d'options, pour cela, je recourt souvent à d16 Toraverb, qui sonne de manière quelque peu atypique et d'une manière exagérément synthétique) et transfère l'élément reçu dans un fichier audio (bounce , export - dépend de votre programme). Ensuite, vous chargez le projet et effectuez l’inverse (retournez-le). Modifiez l’automatisation des filtres et le fondu (automatisation du volume) et obtenez un balayage correct qui restera "comme un natif" dans votre arrangement.
18) Mélodisme à l'idiotie
Avec la diffusion de la musique de danse dans les anciens pays socialistes, en particulier en Russie, les masses associent clairement ce type de musique à la transe, aux compagnons Tiesto, Van Dyke et Buren.
La moitié de cette foule confond trance / house / techno. Et quelques milliers de personnes seulement répondent adéquatement aux concepts tels que «techno de Detroit» et «technologie progressive», qui permettent de naviguer dans l'abondance et la diversité de la musique dance.
Mais trop souvent, ces gens pèchent avec une terrible pensée-illusion - dans toute musique de danse, il doit y avoir une mélodie. Non, non, et un million de fois de plus, non. Pas du tout et ne devrait pas.
Permettez-moi d’expliquer tout de suite que par mélodie, je veux dire un certain motif qui peut être sifflé / joué d'un seul doigt, c'est-à-dire une certaine partie monophonique sans laquelle, par exemple, la musique pop est impossible.
En principe, l'émergence d'une musique de danse avec une mélodie est une conséquence de l'intégration de la musique de danse dans la culture pop, respectivement, dans un public vaste et compréhensible.
Mais si nous nous souvenons des racines de cette musique et que nous prêtons également une attention particulière à ce que les grandes marques de danse jouent / composent / développent / vendent, on peut comprendre que la mélodie pure est extrêmement rare sur le marché de la musique de danse.
Et quel genre de notes, dans ce cas, jouent dans des compositions qui sont interprétées dans des genres comme deep house, tech house, techno, progressif (chansons progressives en anglais classique, pas de chansons pop hollandaises au format radio), dubstep et autres pauses, psytrance des pistes?
L’harmonie est au cœur de ces genres, c’est-à-dire une certaine séquence d’accords et de frettes qui se remplacent dans des carrés ou d’autres phrases musicales.
Implémentation de l'harmonie dans la musique de danse de plusieurs façons - la partie basse, qui joue souvent les notes de la frette, des parties d'instruments séquentielles (arpèges et motifs en boucle divers), des parties d'instruments d'accord (définissant spécifiquement les accords et, respectivement, les harmonies) et les parties de couche ou des instruments pad qui supportent également la frette de base.
Ainsi, une composition de danse qui ne contient que de l'harmonie en tant qu'axe musical central a le droit d'exister et d'être populaire.
Le plus souvent, de telles compositions sont diluées avec divers cris, mots ou autres échantillons qui aideront une personne peu sophistiquée en musique à associer ce son reconnaissable («corporatif») à une composition spécifique.
Toute cette information permet de tirer une telle conclusion: s'il n'y a pas de mélodie dans la composition, vous ne devriez pas la forcer là-bas, et, en outre, vous ne devriez pas la chercher là où elle ne l'est pas.
Le moyen le plus simple, et le plus sûr, est d’inviter un chanteur / chanteur qui chantera cette mélodie, comme le dira son âme / son talent / sa créativité, etc. Des scientifiques britanniques ont récemment découvert qu'une mélodie est proche d'une personne lorsqu'elle ressemble le plus à l'intonation de la parole humaine.
19) Fréquences et vides
Quel que soit votre talent, votre composition ne peut néanmoins pas être une sorte de musique universelle et universelle.
À partir de là, apportez cette chanson à ce son particulier. Si vous définissez initialement une certaine distance et un flou dans la composition, mettez l'accent sur un son similaire, coupez les hautes fréquences sur tous les instruments, à l'exception des chapeaux et des parties de percussion haute fréquence.
Si vous voulez créer un son “plat” et sec, réduisez les basses fréquences du “plateau” (étagère) et retirez le reste des instruments avec un filtre. Mais surtout, libérez toujours vos instruments des fréquences de résonance et de sonnerie.
Pour ce faire, le moyen le plus simple consiste à obtenir un filtre de cloche pouvant fonctionner avec une valeur Q (résonance) maximale. Baissez le volume de votre projet afin que toute surcharge accidentelle ne détruise pas vos haut-parleurs ou vos oreilles.
Augmentez maintenant le volume de la bande sélectionnée de 15 à 20 dB et commencez à tourner lentement la fréquence de fonctionnement de cette bande. Tôt ou tard, vous tomberez sur une fréquence sonnante et dégoûtante.
Il devrait être soigneusement coupé de 5 à 15 dB (en fonction de la fréquence de la sonnerie).
Pourquoi faire ça? Imaginez que votre son, ayant des fréquences de résonance, soit amplifié? Même suspendre le limiteur sur le bus maître peut être terrifié par une surcharge à cette fréquence particulière. Et imaginez une grande salle et une acoustique de 200 000 watts, qui donneraient à tous vos hauts-fonds?
Par conséquent, maîtrisez cette technique et vous remarquerez immédiatement à quel point votre composition sonnera mieux sans ces fréquences très résonantes. En règle générale, je prenais deux ou trois «perforations» similaires sur l'instrument (chaque instrument est destiné, c'est-à-dire un baril, un chapeau, un piège séparément).
20) les émotions
Au lieu de déverser des émotions dans des blogs, des agressions mutuelles, des disputes confuses avec des collègues, utilisez votre logiciel musical pour créer des "sketches émotionnels".
En règle générale, cinq à six heures de travail dans le séquenceur changent l’ambiance de «moins» à «plus», et de tels risques se transforment en vraie musique.
Ne vous sentez pas «timide» de vos sentiments et de votre humeur, ne faites pas malgré vous une musique «gentille» et «gaie», si vous êtes franchement mauvais. Vos véritables émotions peuvent apporter bien plus qu'une session de studio de deux semaines consacrée à «affûter» votre «hit numéro un».
Une autre option intéressante consiste à tenir un «journal musical», c’est-à-dire à enregistrer chaque jour des croquis reflétant votre état. Ils peuvent être affinés et ensuite, mais vous ne pouvez pas modifier l’essentiel, vous obtenez une nouvelle expérience et des pistes de réflexion. De plus, ce qui est particulièrement utile pour les producteurs de sons novices, vous pouvez offrir ce type de travail comme «base» initiale pour un travail en commun.
21) Réverbération
Cela se remarque beaucoup lorsque la composition est créée par un producteur de son inexpérimenté, car il oublie constamment (ou même ne sait pas) la reverb.
Cet effet est plus facile à décrire comme étant l’effet de pièce ou, pour parler en termes plus scientifiques, c’est un effet sonore dans lequel le signal est réfléchi et renvoyé à une atténuation complète, simulé à l’aide de programmes / dispositifs spéciaux - les reverbs.
Classiquement, plusieurs «types» de réverbération - salle, salle, plaque, ressort - sont largement utilisés dans l'enregistrement sonore. Toutes les autres variétés (cathédrale, studio, gymnase, etc.) sont pour la plupart des cas particuliers des quatre premiers algorithmes.
Pourquoi avons-nous besoin d'ajouter artificiellement cet effet si l'environnement dans lequel le son est reproduit a déjà des reflets naturels?
Par exemple, dans un grand club ou une salle de concert, il est clairement audible que la voix (ou tout instrument), en plus du timbre principal, atteigne l'auditeur avec un volume supplémentaire, avec un certain écho. Pourquoi "aggraver" ce "gâchis"?
La réponse est simple: pour que la musique, où qu'elle soit diffusée (dans votre voiture, votre lecteur, même sur un téléphone portable), sonne avec un effet de présence similaire.
Imaginez que cela soit assez problématique dans votre esprit, mais si, par exemple, vous écoutez une composition progressive dans le lecteur et que vous la reproduisez ensuite sur un centre de musique ou surveillez l'acoustique, la sensation d'un grand espace «ouvert» sera très semblable à ce que vous avez entendu dans les oreilles. .
C’est tout l’essentiel, mais il convient de noter plusieurs nuances techniques et technologiques.
Tout d'abord, toutes les réverbes sont arrangées différemment. Inutile d’aller loin, comparez le son de la réverbération «normale» Ableton Live et FL Studio. Veuillez noter que même avec des réglages très «similaires», le son des réflexions obtenues avec ces processeurs est très différent.
Tout tourne autour des algorithmes. Sur le marché de la réverbération numérique, il existe depuis longtemps des «favoris» - les sociétés Lexicon et TC Electronic. Ce sont les algorithmes de ces sociétés adoptés pour le "standard" de la réverbération numérique.
Pourquoi le digital, y a-t-il vraiment une reverb analogique?
Bien entendu, le son et le coût des appareils analogiques, comme c'est souvent le cas, sont à bien des égards supérieurs aux émulations numériques de ces appareils. Il s’agit, dans ce cas, des réverbérations classiques "à ressort" et "à plaque".
Ces appareils monstrueux ont été enregistrés dans les meilleurs studios du monde à l'aube de l'industrie du disque. Aujourd'hui, ils sont souvent utilisés dans la musique moderne (par exemple, Robert Babicz «découvre» périodiquement son «appareil» printanier).
Vous pouvez en apprendre davantage sur différents processeurs sur le réseau et dans plusieurs ouvrages, par exemple dans l'excellent livre de A.V. Sevashko intitulé «Direction sonore et enregistrement de phonogrammes».
En ce qui concerne l’application pratique, j’utilise le plus souvent deux ou trois processeurs dans un projet, que j’installe sur des «pneus» supplémentaires. Par le principe d'envoi / retour (send / return) vers ces bus, j'envoie un signal de presque toutes les pistes, en les mélangeant selon une certaine logique.
Sur un bus, une réverbération est installée avec l'algorithme room. Cet algorithme implique un grand nombre de réflexions précoces et un temps de décroissance rapide. Ce pneu aide beaucoup à "localiser" la partie de percussion de la composition, à savoir la batterie et des "boucles" supplémentaires.
Le principe est simple: une «dose» plus importante est reçue par la «boîte à outils à fréquence moyenne», à savoir les groupes caisse claire, clap et tom. Ces instruments traduisent le plus souvent la spatialité et le volume de la section rythmique et toutes les percussions, similaires à ces instruments, sont le plus souvent soumises à un traitement similaire (par exemple, conga, djembe et autres).
Puis une petite réverbe sur le "fer", c'est-à-dire sur le charley et crash / ride / splash. «Réfléchir» sur ce groupe peut entraîner une «sonnerie» constante et de la boue, vous devez donc agir avec prudence.
Ensuite, il y a un baril, qui nécessite la plus faible réverbération, et peut parfois s'en passer.
Les éléments restants de la section rythmique peuvent être «assimilés» à ceux énumérés précédemment, en les regroupant par réponse en fréquence et par dynamique.
Les instruments que j’envoie à la room-reverb reposent le plus souvent sur une certaine mobilité, similaire à la section rythmique. Par exemple, des éléments de basse et de séquence. Ils nécessitent également une petite quantité d’effet, qui permet de mieux «asseoir» ces éléments dans l’arrangement global.
Les autres instruments et éléments de l’arrangement sont le plus souvent traités par une autre réverbération de bus - hall. Cet algorithme a un temps de décroissance suffisamment long, des réflexions précoces «floues» et une «queue épaisse» de réflexions tardives.
Cet algorithme est particulièrement utile lorsque vous utilisez des instruments acoustiques souvent utilisés dans les salles de concert, telles que les cordes, le piano, l'orgue et les percussions orchestrales.
De plus, si vous avez l’idée de créer un instrument «lointain», par exemple une guitare jouant de l’espace ou un choeur chantant dans une immense cathédrale, cet algorithme est idéal.
Le deuxième domaine d'application est la création d'un «plan à distance» supplémentaire dans votre arrangement. À propos des "plans" et de leur organisation, le livre classique "The Art Of Mixing" de David Gibson (David Gibson), consacré à l'ingénierie du son, est écrit de manière claire et compétente. J'écrirai à leur sujet un peu plus tard.
Dans le même conseil, je ne mentionnerai que l’algorithme de plaque, c’est-à-dire l’émulation de réverbération «plaque». J'utilise parfois ce type de réverbération pour «sceller» les voix.
Essayez, en plus des deux réverbes principales, d’ajouter un bus avec l’algorithme de plaque et «envoyez» votre «paquet» d’échantillons vocaux, l’effet ne vous fera pas attendre;)
22) N'oubliez pas de "peindre" le son
Pour moi, une caractéristique distinctive du son "post-soviétique" est toujours la "stérilité" évidente de tous les instruments, ce qui est très ennuyeux, en particulier lorsque vous écoutez de la musique contrairement à des pays qui ont depuis longtemps leur propre "école" d'enregistrement sonore.
Écoutez le trip-hop américain ou britannique trip-fin des années 90, écoutez de la techno danoise ou du français nu-rave / nu-disco. Les enregistrements sonnent de très haute qualité, mais en même temps, il y a une certaine "viande" et de la saleté "artistique" dans ces enregistrements.
Le fait est que «là» est très rare, lorsque l’échantillon d’origine, sans aucune modification du son lui-même, parvient au consommateur final. Habituellement, les sons sont passés sur une bande, sur des échantillonneurs à l'ancienne (comme E-mu ou Akai) ou simplement sur des préamplis à lampes / transistors. Pourquoi, tu demandes?
Afin de légèrement «teinter» le son) Une analogie peut être faite avec une belle fille - peu importe combien elle est dotée de beauté par nature, elle continuera toujours à se maquiller de manière persistante, la plus insignifiante, mais quand même. Sans parler de ceux qui «n'existent pas» sans hommes du tout pour les hommes. Et, comme dans le maquillage, l’essentiel ici est de ne pas en faire trop ...
Je citerai quelques exemples de «suivi à domicile», le reste pouvant être effectué à l'aide de la méthode de «lance scientifique», car ces «astuces» sont plus expérimentales que théoriques.
Prenez un chapeau et envoyez-le au bus avec un effet de distorsion installé, par exemple, intégré à votre programme hôte. Coupez les basses fréquences sur ce bus pour empêcher la synthèse des sous-harmoniques. Votre chapeau sera compacté et recevra un agréable appel "brutal".
La deuxième idée est de prendre un coup ou une caisse claire, et de passer à travers l'effet de réduction de bits (dans le cas d'ableton, il s'agit de redux, dans d'autres hôtes, il est souvent appelé réduction de bits / réducteur de bits), qui est défini sur 12 bits. Votre caisse claire / applaudissement va acquérir une densité supplémentaire et un son un peu plus sale, mais il sera probablement plus lisible dans le mixage.
La troisième idée consiste à utiliser un petit effet de chorus sur votre partie principale, et vous obtiendrez un effet stéréo intéressant, ainsi qu'un léger «flou» de votre son synthétique «aigu», que l'on peut souvent entendre sur des disques des années 70.
Essayez chacun de vos sons originaux (à l'exception peut-être d'un tonneau) pour exposer un tel «maquillage», et vous découvrirez comment votre son «plastique» et ennuyeux se transformera en «viande» et acquérra un caractère unique. N'oubliez pas de couper les résonances!
23) sauvegarde
Conseil, qui sera peut-être le premier.
Essayez de sauvegarder votre projet aussi souvent que possible. Il est souhaitable de sauvegarder une copie séparée sur un disque dur séparé. C'est souhaitable - avec tous les échantillons du projet.
Souhaitable - avec toutes les versions et edit'ami. Soyez sûr de - avec des noms clairs et compréhensibles, et non 112312.cpr ou song163ss23.als. Sinon, perdez-vous "en vous-même" et perdez toute la "créature".
24) échantillons
Ne soyez pas timide / peur / honte / haine / ignore / ne vous laissez pas aller à des principes lorsque vous utilisez des échantillons.
C’est la base de la musique de danse, le nombre de compositions réussies dans lesquelles des éléments d’œuvres «étrangères» qui sont «arrachés» du contexte sont activement utilisés à l’infini et les vastes étendues de bibliothèques «libres de droits» («libres de droits» ou plus simplement libres). usage commercial / public) des éléments et dire non.
Si vous «écrivez sans échantillons depuis cinq ans», je ne peux évidemment que me réjouir de votre débrouillardise et de votre maîtrise des techniques de synthèse / habileté à jouer des instruments live.
Mais seulement si vous avez cinq remix par mois dans la file d'attente, je doute fort que vous ne fassiez face à cette tâche qu'avec "le pouvoir de la raison".
D'où la conclusion numéro un: les échantillons gagnent bêtement du temps. Ensuite, il arrive très souvent que dans la piste «quelque chose ne va pas». Pour mon aide, dans ce cas, les échantillons viennent juste.
Conclusion numéro deux - les échantillons «inspirent» et ajoutent simplement une somme supplémentaire à votre créativité. Eh bien, faites la troisième conclusion vous-même en visitant ce site ici.
25) Dites non au dopage
Tout d'abord, vous êtes voué à l'échec. Tout le processus de création de musique électronique / de danse est trop laborieux et complexe sur le plan technique. Sous l’influence de drogues ou d’alcool banal, votre esprit déformera les sons émis par votre station de travail et la gestion de tout le processus sera compliquée par le dysfonctionnement de vos capacités motrices.
Deuxièmement, toute l'euphorie de votre pseudo-créativité viendra après l'otkhodnyak et vous vous haïrz tranquillement pendant des heures, que vous pourriez simplement passer à vous détendre et à profiter de la compagnie de "amis de la bouteille".
Et troisièmement, prenez soin de votre santé, car tout votre succès potentiel en dépend directement: les personnes «tuées» par diverses substances sont rarement en mesure de développer à dessein des compétences professionnelles dont la valeur disparaît progressivement du fait de la possibilité d’atteindre un «high easy».
Croyez-moi, jouer votre propre morceau devant une foule de milliers de personnes est un niveau de “high” complètement différent, en particulier lorsque le morceau est créé qualitativement et apprécié par une majorité absolue de gens qui vous applaudissent.
26) Automatisation - la clé du succès
L'idée est très simple: tout élément du 21ème siècle peut être automatisé. Le moyen le plus évident d'utiliser l'automatisation est le contrôle dynamique.
Si c'est plus simple, il s'agit du changement de volume effectué par le fader (ou le potentiomètre de gain / trim / avec tout autre potentiomètre de volume) au fur et à mesure de l'avancement du morceau.
Par exemple, vous devez faire en sorte que les voix «entrent» avec l'effet, mais en même temps, avec un volume statique standard, il manque de volume (surtout si la première lettre du mot est une consonne «in» ou «m»). Nous utilisons l'automatisation en ce moment, et tout est en ordre!
L'automatisation peut être réglée manuellement par le programme ou enregistrée en temps réel, ce qui est beaucoup plus cool et amusant.
Un autre excellent moyen de saturer davantage la piste consiste à utiliser l’automatisation des poignées d’envoi, qui sont responsables de l’envoi du signal aux processeurs d’effets installés sur les pistes de retour / aux.
Sur ces pistes, vous pouvez installer des réverbes, des retards, des chorus, des phasers, des flangers et d’autres processeurs qui créent une sorte d ’« effet spécial ». De cette façon, vous pouvez ajouter beaucoup plus de vitalité à la composition, la rendre plus intéressante et plus riche et ne pas vous perdre dans la quantité d'effets sur chaque piste.
Pour être honnête, vous pouvez créer une composition peu réaliste, composée littéralement de 8 à 10 éléments, si chacun des éléments est automatisé dans l'ensemble de la composition.
Expérimentez avec différents paramètres de vos outils - presque tous peuvent être automatisés! Filtres, enveloppes, tonalités - tout cela est extrêmement amusant et surtout très vivant et, inconsciemment, intéressant pour l'auditeur.
Un excellent exemple du succès de la musique, qui est fortement impliquée dans l’automation, est le travail de l’artiste français Sebastien Leger, écoutez son travail et notez à quel point il parvient à obtenir l’effet de «gros» son et de développement intéressant.
27) Le traitement en parallèle est à la fois audacieux et utile.
À partir du milieu du XXe siècle, une certaine division en «écoles de son» est apparue dans l'industrie du disque, dont l'une, à savoir New York, est célèbre pour son approche intéressante de la compression du signal.
Cette approche consiste en l'idée que le compresseur n'est pas utilisé comme processeur d'insertion, mais comme envoi / retour, c'est-à-dire simplement, il n'est pas installé sur la piste où le son doit être compressé, mais sur la piste aux / return. De cette façon, vous pouvez mélanger le signal compressé et le signal original, en conservant la dynamique de l'original et en ajoutant du «gras» à partir de la version compressée avec la piste aux / return.
Voici un moyen simple d'essayer - prenez votre basse. Il est souhaitable qu'il soit "mobile", progressif ou, par exemple, funky. Créez un canal dans le projet aux / return (en fonction du DAW, dans Logic, ce sera un bus sur le canal, dans Reason, il sera Aux sur la console, etc.), et définissez l’égaliseur et le compresseur, vous pouvez modifier l’ordre.
Envoyez sur ce canal à l’aide du bouton send / aux, en fonction du DAW, du volume maximum (ou du volume laissé en sortie du canal).
Égalisez l'overclockage par 6 à 12 dB de basses fréquences et l'overclocke et le compresseur détruisent le son au goût (par exemple, rapport 20: 1, minimum d'attaque, minimum de libération, seuil réglé à l'état où 15-20 dB seront consommés) Il est préférable que l’égaliseur et le compresseur aient un caractère brillant, c’est-à-dire qu’ils colorent le son.
En conséquence, vous obtenez un overdrive terrible, ce qui est embarrassant, pas seulement ce que vous mettez sur le promoge, mais juste pour le garder dur. Mais ce n'est pas la fin de l'opération.
Maintenant, retirez le fader de la piste sur laquelle sont réglés votre égaliseur et votre compresseur, puis émettez-le graduellement jusqu'à ce que vous entendiez le son de la piste de retour mélangé dans votre signal d'origine, puis supprimez 1 à 2 dB de cette position du fader. qu’au cours du traitement final de la chanson Khm, "mastering", cette sonorité deviendra plus claire, et l’essentiel ici est de ne pas en abuser). Et ensuite, essayez d’écouter sans cette piste et avec elle, et tout deviendra immédiatement clair.
Naturellement, le compresseur et l'égaliseur peuvent être remplacés par tous les effets gustatifs, tels que la distorsion ou un autre décimateur.
28) Moniteurs.
Surveillez l'acoustique - le thème éternel des holivars et des jurons sur Internet. Les Béringiens radicaux de gauche contre les Krkashnikov orthodoxes - c’est le sujet du jour dans tous les forums où le son est discuté, que le fait de parler russe ou non importe peu.
Je ne peux pas aborder ce sujet car plusieurs points importants ne se manifestent qu’avec le temps, à savoir que le temps est notre principale ressource.
Donc, dans l'ordre.
Tout d'abord, si vous écrivez dans une petite pièce de la maison, n'achetez pas de grands écrans (8 ″ et plus). Les haut-parleurs de contrôle, pour la plupart, avec une taille égale sont beaucoup plus forts que leurs homologues domestiques. Ceci est lié à la réponse en fréquence proche de l’idéal (caractéristique amplitude-fréquence, indicateur approximatif de «l’honnêteté» des moniteurs dans la gamme de fréquences), ainsi qu’au fait que l’acoustique des moniteurs est plus «sèche», plus «agressive».
De plus, l'acoustique du moniteur, si elle est active, comporte souvent des amplificateurs distincts pour les haut-parleurs haute et basse fréquence, c'est-à-dire qu'il y aura deux amplificateurs dans chaque «haut-parleur».
Deuxièmement, les moniteurs ne commencent pas à fonctionner immédiatement, et il est ici très important de ne pas se laisser prendre par l'erreur commune d'acheter des moniteurs «dans les airs», c'est-à-dire qu'ils sont venus, ont entendu, ont acheté. Les moniteurs seront votre investissement à long terme, ils fonctionneront de mieux en mieux chaque année, ou plutôt, vous les comprendrez de mieux en mieux.
Essayez de savoir sur quels moniteurs travaillent vos artistes préférés, lesquels ont reçu de bonnes critiques dans la presse internationale. Il vous sera extrêmement difficile de comprendre la qualité des moniteurs si vous n’avez aucune expérience de cet équipement. Les astuces vous seront utiles.
Troisièmement, n’oubliez pas qu’en plus des moniteurs, une carte son est très importante pour transférer le signal numérique de votre ordinateur en analogique, lequel sera transmis par des moniteurs.
Aujourd'hui, le marché de ces appareils est très diversifié et les prix sont tout à fait adéquats. Par conséquent, si vous ne possédez toujours pas de carte son "professionnelle", il est préférable de l'obtenir directement à l'achat de moniteurs.
Remarquez, j’écris spécifiquement - les moniteurs et la carte son, car la seule tâche de la carte son est, au début, de convertir un signal numérique en signal analogique.
Enregistrer des voix et des trucs à la maison est une question assez controversée, car terminer la salle, acheter un microphone, etc., donnera une somme nette pour laquelle vous pouvez louer un studio professionnel quelques heures par semaine et écrire immédiatement «sur «clean», voix très cool ou tout autre instrument.
Alors quels moniteurs?
Il est très important de comprendre que je devais travailler, écouter, essayer, etc. une énorme quantité d'acoustique très différente dans les gammes de prix les plus différentes, mon conseil serait donc très personnel et très subjectif, mais serait étayé par une sorte d'expérience.
Donc, à prix abordable - Behringer 2030a, Yamaha MSP 5, Fostex PM-1, Alesis Monitor One, Mackie MR5 / 8, Blue Sky Media Desk. Tout le reste est soit beaucoup plus cher, soit beaucoup moins, ou bien pire. Si vous pouvez écouter, écoutez. J'ai déjà fait mon choix, et ce sont les moniteurs de la société ADAM, car je n'ai pas souffert avec eux, mais 5 ans de travail pour eux, c'est déjà de l'amour.
Autre astuce: lors du choix des moniteurs, je vous conseille de suivre un autre principe: «plus le son des moniteurs est doux, plus la sonorité de la musique est dure».
29) anti-inflammatoire
Parfois, il y a des choses gratuites, mais extrêmement raides, comme le lever du soleil sur la mer. Dans les logiciels de musique, il existe très souvent de tels «cadeaux du destin».
Alors qu'est-ce qui est cool et gratuit?
Tout d'abord, les plug-ins de la société Togu Audio Line, qui en général. Bref, essayez, je pense que vous allez tout comprendre (commençons par Nois3maker).
Deuxièmement, pour les utilisateurs de PC, il y a l'élégant Kjaerhus Audio Classic, que l'on peut maintenant trouver sur les trackers et autres forums, mais qui était vraiment gratuit.
Troisièmement, le cartel Smartelectronix, qui regroupe de nombreux développeurs talentueux et de nombreux plugins vraiment sympas (un oscope unique (x) vaut quelque chose!).
Quatrièmement, encore une fois, seul le VSTi Synth1 japonais, puissant et irréaliste, vaut le coup. Cinquièmement, presque toutes les entreprises ont des produits gratuits sur leur site Web, par exemple, Voxengo ou Brainworx.
Et sixièmement, ceux qui cherchent trouveront toujours ...
30) La piste est prête quand elle est disponible publiquement.
Ce qui est souvent oublié sur le PDJ, et sur lequel je ne peux pas écrire.
Vous avez souvent vu, par exemple, des musiciens renommés publier un morceau, puis écrire: «Eh bien, c'est presque une version toute faite, mais sans mastering. Regarde. "Ce serait stupide, non?
Essayez de faire le mieux possible avant que la musique n'apparaisse dans le domaine public, et ne faites pas otmazyvaytes - les critiques et les manchettes des plus anciennes évoquent et améliorent votre musique. N'ayez pas peur de mettre fin à votre musique, sinon vous écrirez le même titre toute votre vie.